¿Hay una nueva tendencia mundial actual para diseño de estampas y tejidos en distintos países, marcas y targets?
Si la tuviera que describir plasticamente es un expresionismo abstracto de base geométrica, distorsionado por un fuera de foco o traslación de algunos elementos. Algo parecido a la nueva figuración en pintura argentina, solo de los no figurativos.
Desde el punto de vista de la significación(el mensaje), comunica el estado actual de desconcierto, angustia desequilibrio, mareo, incertidumbre, desestabilizando, indefinido. ¿En proceso de cambio?
Creo que estamos ante un cambio radical de valores, costumbres, hábitos, necesidades, prioridades. Que ya no son las mismas que antes mantuvimos durante muchísimos años.
Como ya se ha demostrado en la historia visual, sabemos que no es decorativa ni caprichosa, sino que expresa y anticipa.
Bienvenido el cambio hacia un nuevo equilibrio. Durante esa transformación que no sabemos cuanto durara tendemos que adaptarnos a una nueva manera de vivir, sentir y actuar.
R. Brocher.
2022
Vidrieras de Estocolmo proponen un estilo retro
Gusanos que comen poliestiréno expandido (tergopol/hisopor/icopor).
Dis. Laura Nebbia (ex docente a cargo de vestuario dentro de nuestra cátedra) se encuentra en España haciendo un posgrado en arte. Hace unos días ganó una beca de arte para realizar una residencia artística en San Millán de la Cogolla, un pueblo de España. Ganó con su proyecto "Identidad Almica a través de los tejidos", en el que confeccionan un tapiz junto a los integrantes de este pueblo.
SELECCIONADAS EN EL CICLO DE EMPRENDEDORES UBA 2019 .
Rocio Romañach
Hola! soy ex alumna de la cátedra, se que siempre comparten notas interesantes y novedades y quería compartirles lo siguiente que a mi me sorprendió. Estuve en el exterior y al entrar en un local de Apple, vi que tenían muchos accesorios que relacionan con el bienestar y la salud. Y encontré esto (mando foto)
Se trata de unas etiquetas que se colocan en la ropa interior o pijamas, que lo que hacen es medir la frecuencia respiratoria, presión sanguínea, sueño (horas de sueño y profundidad). Y son aptas para cualquier textil y lavables en lavarropas y secarropas. No se si ya son conocidas pero me sorprendió y me gusto como se empieza a incluir el bienestar en todos los aspectos, incluso de manera funcional en la indumentaria 🙂Saludos!
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EL LIBRO
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Zapato romano de 2,000 años de antigüedad fue descubierto en un pozo en Alemania
Todos sabemos que los antiguos romanos eran ingenieros expertos que construían vastos caminos para comunicar su enorme imperio. Y todo esto, sin perder el estilo ni un segundo. En esta sociedad, el calzado era un símbolo de estatus que también brindaba protección. Hoy en día los zapatos italianos son un sinónimo de calidad y buen gusto, por lo que no es de sorprender que sus antepasados romanos también fueran extraordinarios zapateros.
Un elegante zapato en exhibición en Saalburg, Alemania, muestra cuán a la moda solían estar las mujeres en la antigua Roma. Saalburg era un fuerte romano situado en las orillas de la cordillera del Taunus que formaba parte de las antiguas fortificaciones fronterizas de la zona. Enormes en escala, el fuerte y su aldea circundante fueron el hogar de alrededor de 2,000 personas en su apogeo. Fue construido en el año 90 d.C. y se mantuvo en funcionamiento hasta alrededor del 260 d.C., cuando una crisis política y económica provocó que quedara en desuso.
Saalburg fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 2005, y tiene un museo que exhibe artículos encontrados en el área. Esto incluye un zapato de 2.000 años descubierto dentro de un pozo. La parte superior está hecha de cuero y la suela está pegada con clavos, como es característico del calzado de la época. Los zapatos estaban inspirados en las cáligas, botas militares de suela gruesa con aperturas.
En calzado femenino, a menudo se añadían bordados decorativos y patrones a los zapatos junto con los cordones. Demostrando además la habilidad y maestría del fabricante, este calzado era un símbolo de riqueza y estatus entre las mujeres que los usaban. Estos zapatos de suela gruesa fueron diseñados para exteriores, mientras que en interiores, las mujeres de la época portaban sandalias delgadas.
El que este zapato haya sido descubierto en Alemania muestra lo lejos que viajó la moda y el conocimiento a lo largo del Imperio Romano. Lo más sorprendente de este descubrimiento es que este zapato no es muy diferente a los modelos usados en la actualidad.
El Complejo Teatral de Buenos Aires está conformado por los teatros Regio, de la Ribera, Alvear, Sarmiento y San Martín. Juntos arman el circuito de entretenimiento municipal con una cartelera de calidad que suele agotar localidades.
NEWSLETTERS CLARÍN
¿Qué com
El teatro San Martín, ubicado en calle Corrientes al 1500, es “el gigante” del Complejo: 30 mil metros cuadrados, trece pisos, cuatro subsuelos, tres salas, capacidad para 1.815 espectadores, un millón de visitantes cada año...
Esos volúmenes y cantidades, sin embargo, dicen poco. Dentro del San Martín, en el descenso lento del montacargas, en cada ojal del clavijero que tiende y destiende telones; en el látex y el telgopor; en la penumbra o en la luminosidad de sus talleres, algo acontece.
Observe cuando vaya: el piso del hall de entrada se interrumpe, cada tanto, por unas tiras de bronce. Esas líneas marcan la división de los cuerpos del edificio. En el tercero, al fondo del hall, está “la fábrica”.
Cada objeto que termina en los escenarios de todos los teatros del Complejo se produce en los pisos del tercer cuerpo del San Martín. También la ropa, los zapatos y las pelucas de los elencos de teatro y danza, los trastos, los títeres. Aquel colectivo 29 tamaño real y antiguo, también. Los bigotes de las actrices de Piel de Lava. El escenario ondulante por el que se movía el actor Osqui Guzmán, el año pasado, en La Tempestad. El living que subía y bajaba cargado de cosas y actores en El Hipervínculo.
Los trabajadores de Pintura y Utilería con uno de sus trabajos. Foto: David Fernández.
Los talleres están diseminados en varios pisos: Vestuario en el siete; Escultura, Pintura y Utilería, y Escenografía, en el once; Peluquería en el tercero; Maquinaria, tercer subsuelo. En equipos, unos 200 realizadores enfrentan los tiempos que impone el calendario de estrenos. Ahora trabajan en 4 obras en conjunto.
Uno de los desafios es lograr una comunicación eficiente entre los talleres. Más obstáculos: los materiales –que no siempre llegan a tiempo ni en forma–, las internas entre compañeros; un actor que subió de peso entre una prueba de vestuario y otra; una actriz que cree que su maquillaje está “muy cargado”.
Pero la dificultad esencial del trabajo del realizador no está en el tiempo ni en el material que falla, ni en el empleado histórico que se queja, ni en el que calla. La complejidad reside en hacer realidad aquello que se le ocurre a un vestuarista o al escenógrafo, al director o productor de una obra.
El realizador necesita detalle y precisión para lograr el objeto que la puesta en escena requiere. Mientras trabaja en la pieza, inventa problemas y los resuelve, en simultáneo. Y cuando ocupe una butaca en la sala como espectador, se detendrá en el error. Mientras todo eso sucede, el realizador conserva, perfecciona y transmite su arte y artesanía: el oficio.
“Hicimos unas papas para la pieza Pájaro de Barro. Cuando el escenógrafo vino a verlas, se sorprendió. Nos dijo que iba a marcar la papa de ficción por miedo a que el actor, que tenía que pelar una en el guión, se confundiera.”
Florencia Tutusaus
LICENCIADA EN ESCENOGRAFÍA
Prehistoria del teatro San Martín
En 1912, en el mismo lugar en el que funciona ahora, abrió una sala cuyo nombre fue Teatro Nuevo. Más tarde, en la década del ‘30, se llamó Teatro Corrientes y se dedicó al género de revista. Entre el ‘37 y el ‘43 fue sede del Teatro del Pueblo y su cartelera fue de obras independientes. En 1944, el Estado tomó el edificio y creó un teatro público. Desde entonces se llama Teatro Municipal General San Martín. En 1953 comenzó la construcción que hoy conocemos. La inauguración oficial fue el 25 de mayo de 1960.
En 2017, el Gobierno de la Ciudad reabrió el teatro que estuvo cerrado durante 18 meses para ponerlo en valor y sumar tecnología. Levantaron, por ejemplo, las alfombras originales y las reemplazaron por otras de idéntico color y textura. Allí siguen siendo los ‘60. En el taller de Vestuario instalaron equipos de aire acondicionado y bajaron el techo. Colocaron, además, una luces blancas. Lo que no pueden aún resolver es la ventilación del último piso, donde funcionan los talleres de Escultura, Pintura y Escenografía. Allí utilizan, eventualmente, materiales tóxicos.
Saco que usará Joaquín Furriel para un Hamlet ambientado en los años '20 del siglo pasado. Foto: David Fernández.
Los realizadores empezaron a trabajar en la temporada de este año durante los últimos meses de 2018. El calendario prevé cuarenta puestas en escena entre las cinco sedes que forman el complejo teatral porteño.
La apertura del nuevo año teatral vino con un aumento en el precio de las entradas. Para las obras de teatro locales, una platea en la sala Martín Coronado o en la Casacuberta, del San Martín, pasó de $220 a $280. Los miércoles y jueves, días populares, el ticket vale $140. En el resto de las salas,la platea va de $150 a $250.
En en taller de Carpintería y Maquinaria se apuran para terminar la escenografía de Hamlet, una de las apuestas fuertes del San Martín. La fecha de estreno está cerca y los carpinteros Manuel Alemán, Luis Vergara y Juan Carlos Agüero le dan forma a una puerta.
El elenco ensayará de dos de la tarde a nueve de la noche. Hacia el mediodía, ellos y los empleados de Maquinaria deberán colocar el rompimiento, una estructura que recorta el escenario y deja ver a los actores. El filo corta la madera. Hay urgencia, pero también hay detalle.
Esa papa no se pela
“A veces la indicación del escenógrafo es: ‘Quiero esto en color madera’. Okey, ¿cuál madera? ¿Con vetas, sin vetas? ¿Qué tratamiento? ¿Encerado? Ah, lo querés en roble. Bien. ¿Roble claro, roble oscuro? ¿Qué utilidad van a darle? Nosotros tenemos que reproducir lo que el escenógrafo tiene en la cabeza. Para eso necesitamos un boceto con la mayor cantidad de especificaciones posible.” Todo eso lo dice Florencia Tutusaus, 33 años, licenciada en Escenografía y una de las integrantes del taller de Pintura y Utilería.
Sobre la mesa de trabajo hay piezas para la obra El Cartógrafo, que se estrenará pronto en la Cunill Cabanellas, la sala del tercer subsuelo del teatro donde en los ‘70 funcionó una confitería y ahora se utiliza como espacio de experimentación.
Vanina Mugnolo, 32 años y profesora de Artes Visuales recibida en la Universidad Nacional de las Artes, trabaja sobre las tapas de una carpeta. La idea es que logre el desgaste típico de una bitácora antigua.
Antes se ser parte del taller de Pintura y Utilería, Vanina restauró monumentos en una repartición que pertenece a Patrimonio de la Ciudad. Pero le interesaba esta área, así que pidió el pase y desde hace tres años elabora objetos para las puestas del San Martín y los teatro periféricos. “Suele pasar que una pieza quede hermosa, hiperrealista, que nos encante. Pero en el escenario apenas se ve o aparece unos segundos. Lo nuestro es un poco efímero”, dice Vanina.
“Hay objetos sobre los que no tenemos un interés plástico –sigue Florencia–. Pero la intención es la misma: que la pieza sea lo más real posible. Hicimos unas papas para Pájaro de Barro. Cuando el escenógrafo vino a verlas, se sorprendió. Nos dijo que iba a marcar la papa de ficción por miedo a que el actor, que tenía que pelar una en el guión, se confundiera.”
La cabeza de Marx en telgopor: los detalles fueron tallados con cuchillos manufacturados en el San Martín. Foto: David Fernández.
Alrededor de la mesa están Juan Manuel Miranda y Gonzalo Palavecino, ambos de 34 años y egresados de escuelas de artes plásticas. A diferencia de Florencia y Vanina, que pasaron por otros departamentos antes de integrar este taller, los chicos lograron el pase desde Limpieza.
“Me tocaron los baños, el cuarto subsuelo y el escenario. Y bueno, ahora lo puedo decir: en horario de trabajo, me colé en todos los ensayos de Rey Lear; quería aprender”, confía Juan Manuel. Rey Lear fue la obra protagonizada por Alejandro Urdapilleta, hace una década.
Durante una año y medio, Juan Manuel trapeó. Gonzalo también: limpiaba el escenario en el turno noche, pleno horario de función. “No sólo veía todas las obras, sino que de a poco me fui acercando al taller. Ya había terminado en Bellas Artes y tenía algunos trabajos. Los traje, se los mostré a los jefes. Y un día me pidieron”, cuenta Gonzalo. Juan hizo lo mismo. Limpieza era un “lugar de tránsito”, un punto de partida. Dejó de serlo hace unos años, cuando tercerizaron el servicio.
“La primera prenda que corté fue una túnica para Alfredo Alcón. Tenía lentejuelas y mucho brillo. Recuerdo que estaba nervioso. Yo venía de la sastrería comercial y de teatro no entendía nada.”
Cristian Sayaverde
SASTRE TEATRAL
Facas y la coreografía de Nichrome
Marcela Alonso entró por concurso en el año 1992: hace 27 años que integra el taller de Escultura. Hoy es segunda jefa y gran parte de su vida transcurre aquí, entre segelines, filos, viruta de telgopor, polietileno y resinas.
La remodelación del San Martín también llegó a los talleres, aunque con menos impacto. Escultura está en el último piso del edificio. Eso significa que la terraza recibe (y absorbe) el sol, por lo que el calor en el taller puede ser difícil de sobrellevar. Los ventiladores de pie están encendidos: apenas un soplido.
Marcela Alonso es delgada y se mueve como gacela entre piezas engañosas, como de ilusión óptica. Contra la pared, las réplicas de los atlantes del edificio diseñado por Morten Rönnow, ubicado en Belgrano y Perú, en Monserrat. Parecen pesadas como el granito, pero tienen la levedad de la espuma de telgopor.
“Aquí logramos que lo que sea plano termine en tres dimensiones. No dibujamos, no hay papel. Lo nuestro es curva, relieve, volumen”, explica Marcela. Para transformar un bloque de telgopor en molduras, por ejemplo, Alonso arma parejas.
Cada uno tiene un manillar unido por un alambre de Nichrome y entonces: “Primero marcamos el material, para tener una guía. Luego, un realizador se ubica en una punta y el otro, en la otra. Uno ‘canta’: ‘¡Entramos! Me quedooo’. Ahí esperás que el alambre entre en el telgopor. Es una coreografía. En la era de la tecnología nuestro trabajo es artesanal”.
Marcela muestra los cuchillos de trabajo que hacen los escultores. Son filos de carpintería y mangos de caño, que no pasarían una requisa. “Walter, un compañero, llevaba los cuchillos en el bolso y como no entraban, quedaban a la vista. Una vez lo paró la Policía”, cuenta Marcela.
Conversamos al lado de Marx. Estamos bajo un árbol que de tener follaje, daría sombra. Sigue Marcela: “Es para El Cartógrafo. El problema que teníamos era que las ramas deben entrelazarse en el techo de la Cunill Cabanellas que tiene caños, tubos... El telgopor no nos servía porque se rompe. Así que pensamos, investigamos, hasta que nos dimos cuenta”. Los ramas del árbol están hechas, ni más ni menos, que con los flota–flota.
Jimena Groppa, segunda jefa del taller de Escenografía, pinta de pie con un pincel encabado. Foto: David Fernández.
Anonimato y los ojales, a mano
Luz natural y los equipos de aire acondicionado encendidos para amortiguar el calor de las planchas, que de no ser porque funcionan y son ideales para este trabajo, estarían expuestas en un museo. Las mesas de trabajo son bajas. Algunas rectangulares, otras con forma de semicírculo, para compartir. Maniquíes, percheros, géneros.
En el taller de Vestuario hay una leyenda, un cuento con final de moraleja: “Había una vez una vestuarista que le dijo al sastre teatral: ‘Quiero que en el escenario este saco diga acá estoy. ‘¿Y dónde vio usted un saco que hable?’, preguntó el hombre”. El lenguaje que usan los vestuaristas no es el mismo de quienes confeccionan la ropa.
Pausa para hacer una distinción de género. Es una tradición en la industria del vestir, que el sastre se ocupe de la indumentaria masculina y la modista, de las prendas para mujeres. Mariana Vera es quien se ocupa de ellas.
Aquí está Cristian Sayaverde, sastre teatral, hilvanando el saco de vestir que usará uno de los personajes de Hamlet. Esta vez, la obra de William Shakespeare estará ambientada en los años ‘20, a lo Peaky Blinders. “El 20 por ciento de la ropa y accesorios que se usan en las obras es reciclado, es decir, se busca en el depósito y la adaptamos. El resto lo hacemos acá”, dice Cristian.
Cuando coloque las mangas y el cuello, y cosa los ojales a mano, el saco que hilvana estará listo. Antes de colgarlo en el perchero, le darán un golpe de plancha. El saco es una prenda de tantas. Un cambio completo de varón implica diez piezas entre indumentaria y accesorios.
Florencia Tutusaus, de Pintura y Utilería, con una obra hecha para una puesta en escena.
La primera prenda que Cristián cortó fue una túnica para Alfredo Alcón. “Tenía lentejuelas y mucho brillo. Recuerdo que estaba nervioso. Yo venía de la sastrería comercial y de teatro no entendía nada”, cuenta.
Patricio Delgado es el otro sastre del taller y hace casi veinte años que corta y cose para el Complejo Teatral de Buenos Aires. Lleva una especie de registro mental en el que “anota” características de los actores con los que tuvo que trabajar. Sabe qué materiales debe evitar porque a tal actor le genera urticaria. Recuerda si una actriz es zurda o diestra. Dice Patricio que un actor “se humaniza” cuando le toma las medidas. “Algo pasa en ese momento. Cambia la energía del actor. De repente es más parecido a uno, a cualquiera”, explica. Tomar dimensión, registrar los cambios.
“El trabajo de interpretación que debemos hacer, más allá del figurín, es crucial. El vestuarista trae su idea en un boceto y la otra mitad te la explica”, sigue Patricio. Bajar a la realidad la métafora de quien pensó la estética de la obra, puede ser complicado. “Pero nosotros no discutimos. Hacemos silencio, escuchamos. Creo que el sastre y la modista no tienen que ser protagonistas. Si sos protagonista es porque cometiste un error”, opina Patricio. En el perchero hay una saco de tartán. Las líneas del bolsillo coinciden con el resto. No importa que las pinzas hayan alterado la estampa.
Cada objeto que entregan debe ser idéntico al que referencia que les dejaron. Foto: David Fernández.
Una tarde de prueba
Promedia febrero y el verano no se da por vencido. En la radio anuncian que el Servicio Meteorológico Nacional ha emitido una alerta amarilla porque la térmica, en Buenos Aires, estará por encima de los 40 grados. El chiste es que emparda la cotización del dólar en la City porteña.
Mónica Gutiérrez, jefa de Peluquería y Maquillaje, llegó temprano al San Martín. Hoy debe preparar los postizos que usarán las actrices de Pájaro de Barro, obra que se estrena en unas semanas en el teatro Regio, en Palermo.
Mónica trabajó sobre la melena que usará la actriz Marita Ballesteros. Es de pelo natural y la convirtió en una recogido típico de los años ‘40: rulos que forman un copete leve sobre la frente, un entramado apretado sobre la nuca. Para “avejentarla” la aclaró un poco. Antes de subirse a la camioneta que la llevará al Regio, colocó una redecilla alrededor de la peluca para protegerla. En menos de una hora estará en un pequeño camarín para probar el postizo en la cabeza de Ballesteros.
Las pruebas de peinado y maquillaje se repiten antes del estreno. La idea es que el actor se sienta cómodo y el vestuarista, conforme. El realizador cuenta con una referencia, como fotos de época, que debe imitar. También puede indagar en el guión o preguntar por la historia del personaje.
A Marita Ballesteros le peluca le calzó perfecta. Ahora es el turno de Mariano Mazzei, actor joven que debe interpretar a dos personajes, uno de ellos engominado. El problema con Mazzei es que tiene rulos. Mónica pregunta cuánto tiempo tiene entre un personaje y otro: apenas minutos. La pregunta que sigue es cuánto tiempo lleva alisar el pelo con gomina. ¿Y si mejor es con gel?
La encargada de Peluquería del Regio, es decir, quién estará en cada función asistiendo al elenco, plantea los problemas: “No tiene tiempo”, “Ese gel no sirve”, “No podemos poner un secador de pelo en la pata del escenario”. Las mujeres observan el cabello ensortijado del actor. El gel “bueno” le domesticó la melena, calculan el tiempo para pasar de un alisado a una cabellera suelta, sin rigidez. De repente Mónica corta el silencio: “Ya sé. Una toalla húmeda, ¡eso! Una toalla en la pata del escenario para sacudirle el pelo y que se desarme el gel. A ver, probá”. Y entonces, el milagro.
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Las manos mágicas de las vestidoras y un oficio silencioso e imprescindible para el teatro
Son las primeras en llegar y las últimas en irse, esperan detrás o al costado del escenario y deben solucionar cualquier imprevisto en cuestión de segundos. Infobae Cultura compartió una función junto las vestidoras del Teatro San Martín para conocer la tarea y las historias que hacen que su jornada sea cada día una experiencia diferente
Por Mercedes Méndez
10 de marzo de 2019
Saben trabajar en la oscuridad. Son las últimas personas que ven los actores antes de salir a escena. Siempre esperan silenciosas, detrás de los telones o escondidas en algún bastidor, hasta que llega el momento de hacer su trabajo. Son capaces de poner un vestido con miriñaque y una docena de botones en la espalda en menos de dos minutos. En los bolsillos de los delantales con los que trabajan tienen costureros improvisados con los que pueden hacer un ruedo, tapar un agujero o remendar el tajo de una pollera. En las mangas siempre llevan los salvadores alfileres de gancho, capaces de contener las urgencias más insólitas. Son pocos los que saben que existen, pero las vestidoras son un sostén clave de las grandes obras de teatro.
A la vez ofician de psicólogas, contienen en momentos de crisis y son testigos valiosas de los momentos en que, para ellas, se produjo el gran arte sobre el escenario
En el Teatro San Martín trabajan 28 personas en el área de vestuario. De este equipo, hay once mujeres que se ocupan de asistir a los artistas durante las obras, entre ellas lo llaman "atender función", y a la vez ofician de psicólogas, contienen en momentos de crisis y son testigos valiosas de los momentos en que, para ellas, se produjo el gran arte sobre el escenario. Experiencias que atesoran, describen y analizan como filosas críticas de teatro.
"Menos mal que existen las vestidoras", suele decir Renata Schussheim, una de las diseñadoras de vestuario más reconocidas de la Argentina. ¿Qué sería de sus típicos cuellos de volados, los vestidos por capas que diseña, sus pesados tapados de terciopelo y las telas únicas que ella busca y elige artesanalmente para cada obra en la que trabaja si no existieran estas personas que todas las noches cuidan y hacen lucir sus diseños con la misma rigurosidad con la que ella los piensa sobre la hoja bocetada?
"Las vestuaristas somos nocturnas", cuenta Irma Rodríguez, una mujer de 60 años que hace 40 trabaja en el Complejo Teatral de Buenos Aires. Entró al Teatro San Martín a los 19 años y todavía espera ansiosa las noches de funciones, en las que ella asiste detrás de escena al momento único en que los artistas vuelven al oficio ancestral de contar historias, asumir otras vidas y otros universos. En general, las personas que trabajan en el área de vestuario y se ocupan de asistir en las funciones son las primeras en llegar y las últimas en irse.Son las que preparan el vestuario y ayudan a prepararse a los actores y, cuando termina la función, deben juntar todas las prendas, lavarlas y dejarlas listas para la noche siguiente. "Nunca volvemos a casa antes de la medianoche", dice.
¿Qué problemas pueden enfrentar durante una obra? Bailarines a los que se les abre la entrepierna del pantalón en plena representación, corset de vestidos de novia que se rompen justo antes de salir a escena, medias con agujeros, ruedos que se salen. Para todos estos inconvenientes, ellas deben lidiar con dos obstáculos: la falta de tiempo para resolverlos y la poca luz. "Todo esto lo tenemos que arreglar detrás del escenario así que ya nos acostumbramos a coser en la oscuridad y con poco tiempo. Son soluciones provisorias, pero funcionan. Siempre encontramos la forma de que no se note el problema y, sobre todo, tranquilizar a los actores", cuenta Silvia Vargas, otra vestuarista.
El oficio y los años de trabajo las han ayudado a conocer las mañas de los artistas: "En general, los actores necesitan de ciertos rituales que les den seguridad para trabajar. Por ejemplo, que el vestuario esté siempre sobre la misma silla, respetar horarios, en lo posible trabajar con la misma persona, dejar las cosas preparadas de igual manera cada noche. Si hay cambios, se descolocan y se ponen nerviosos".
Como si cada obra de teatro se tratara de una misa en la que ellas creen profundamente, no hay nada que les preocupe más que respetar el silencio y la concentración que se necesita antes y durante una representación. "Casi nunca llevamos los percheros al escenario porque nos da pánico imaginar que se puede llegar a caer algo en la función, preferimos tener todo en la mano, o apoyado en alguna silla. Con algunas actrices que tienen que hacer cambios completos y en muy poco tiempo, con lo cual no llegan a ir a sus camarines, hemos improvisado vestidores al lado del escenario para ayudarlas a cambiarse. Hay artistas que nos piden que nos ocupemos de todo y confían en nosotras. Con Enrique Pinti nos pasó eso, por ejemplo, él nos decía que era muy torpe y nosotras le cambiábamos sacos, pelucas y trajes. Él se quedaba quieto, como un maniquí y a cada rato nos decía "gracias chicas", nos hacía chistes. "Todavía hoy nos acordamos y nos reímos", cuentan sobre la vez en que Pinti fue el protagonista de El burgués gentilhombre, en 2011, una clásica comedia francesa de Molière, en la que estas vestidoras corrían detrás de escena con pelucas, zapatos, trajes y abanicos que los artistas usaban y desechaban en todo momento.
Enrique Pinti nos decía que era muy torpe y nosotras le cambiábamos sacos, pelucas y trajes. Él se quedaba quieto, como un maniquí y a cada rato nos decía “gracias chicas”, nos hacía chistes
La mayoría de los grandes teatros del mundo cuentan con este equipo de personas que funcionan como guardianas del vestuario de las obras de teatro y asisten a los artistas frente a las eventuales "tragedias" de cada función. En Argentina, el Teatro Nacional Cervantes también tiene un equipo de personas que se ocupa de esta tarea.
Para cada obra que se estrena en el Complejo Teatral de Buenos Aires, las vestidoras tienen reuniones con las diseñadoras de vestuario, que les explican cómo quieren que se vea la ropa, las características de cada tela y cómo se doblan y se guardan, entre otros detalles. Además, participan de los ensayos por lo menos 15 días antes del estreno para conocer en qué momento son los cambios de vestuario, cuál es el orden de las prendas y cómo son los personajes. Muchas veces, hasta se terminan aprendiendo la letra de cada uno del elenco. "Fuera del teatro nos cuesta explicar en qué consiste nuestro trabajo o por qué estamos hasta tan tarde. Muchos piensan que nos dedicamos a la confección del vestuario pero no, nosotras decimos que estamos en el escenario y la gente no termina de entender bien qué es lo que hacemos", cuenta Irma.
Nunca pudieron ver un espectáculo en el que trabajaron del lado del espectador. Para ellas, el punto de mira siempre es desde un costado o incluso llegan a escuchar los diálogos pero no pueden verlos. "Eso nos pasó en un espectáculo reciente, Cae la noche tropical, una obra sobre la novela de Manuel Puig. En la escenografía se recreó una casa enorme, de dos plantas y con una palmera en el medio. Nosotras estábamos atrás de todo eso y era imposible llegar a ver algo de lo que pasaba, pero escuchábamos un monólogo de Leonor Manso al final, que era muy hermoso. Nos imaginábamos cómo lo estaba diciendo, sus caras. Terminábamos llorando las dos, pero nunca pudimos verla actuar. Sólo la escuchamos", recuerda Silvia.
Las vestidoras forman parte de una maquinaria teatral compleja y por momentos inasible que hace que un espectáculo se convierta en una obra de arte. Formaron parte de situaciones únicas que, más allá de lo efímero del teatro, para ellas fueron inolvidables. La última obra deAlfredo Alcón es un ejemplo. En 2013, Alcón dirigió y actuó en Final de partida, una pieza de Samuel Beckett. Mientras el público entraba a la sala, el actor, que en ese momento tenía 83 años, ya estaba en el escenario sentado y cubierto por una manta sucia y pesada que recién le sacaría otro personaje, interpretado por Joaquín Furriel, cuando comenzaba la obra. "Yo era la persona que antes de dar sala iba con esa tela y lo tapaba completamente a Alfredo. El estaba concentrado, ya en silencio, con los ojos cerrados. Siempre fue una gran persona con nosotras y para mí era un placer formar parte de ese momento en el que él estaba por actuar", cuenta Irma. Un año después de esta obra, Alfredo Alcón murió.
Además de cuidar el vestuario, el oficio de las vestidoras tiene divertidos momentos de riesgo. En la obra El Casamiento, que se hizo el año pasado y en la que actuaban Luis Ziembrowski, Roberto Carnaghi y Laura Novoa, el escenario de la sala Martín Coronado se movía en varias ocasiones, para mostrar cambios de escenografía. Ziembrowski tenía que cambiar de traje mientras todo el piso giraba. "Nosotras lo esperábamos pegadas a la pared en un pasillo que no llegaba al metro de ancho para alcanzarle el vestuario sin caernos. El resto del piso no paraba de girar", cuentan.
"Va a estar todo bien" es una frase recurrente durante las noches de funciones. "Nosotras lo decimos a cada rato, pero lo pensamos de verdad. Nunca nos pasó nada que no podamos solucionar. A veces, algunos artistas se ponen nerviosos, pero nosotras les decimos siempre lo mismo: lo vamos a arreglar y así pasa. Las obras más complejas son las de ballet porque a los bailarines se les rompe el vestuario a cada rato. Son las funciones en las que tenemos que estar más preparadas, pero ya nos acostumbramos", dicen.
Y en esa contención también forma parte conocer algo de la vida de los artistas. Por ejemplo, durante las funciones de El especulador, la obra de Balzac, protagonizada por Daniel Fanego y Elena Tasisto (quien murió el 21 de septiembre de 2013), las vestidoras sabían que Elena estaba enferma y hacía un gran esfuerzo por hacer el espectáculo. Entre los dolores que tenía, sufría de un frío permanente. "Cada momento en el que salía de escena, nosotras la esperábamos con un chal de lana para taparla. No formaba parte del vestuario, pero sabíamos que lo necesitaba y le hacía bien. Así que íbamos las dos con el chal y la abrazábamos hasta llegar al camarín. Nunca le faltamos, pero sabíamos que si una noche ella salía y no estábamos con el chal, iba a ser realmente duro para ella". Con todo ese amor por el teatro y sus artistas, las vestidoras forman parte de un oficio que resiste al paso del tiempo.
Laura Asman HOLA. excelente, sobresaliente, instructivo, didáctico. un empujón tremendo para seguir estudiando, aprendiendo y haciendo mejor cada día. ya sea en el área de indumentaria o en la preparación de un plato de comida. gracias
Amo, ame y amare esta cátedra. exigente, perseverante, te frustras caes pero te volves a levantar gracias a los profes queestán siempre ahí para ayudarte en lo que necesites. Aportan ideas y te dejan crecer e ir mas allá de la comodidad.
Brocher va siempre a todas las clases y se mantiene informado dia a dia de lo que presentan sus alumnas, eso es decir muchisimo de la càtedra en sì
·Hoy Ayelen GABIN ha enviado el siguiente mensaje a las 6:55
·
Hola
Rupert, perdón que tarde en contestar, por suerte estaba con mucho laburo. ¿Ustedes
como están? Acá todo muy bien, este año surgieron varios proyectos hermosos, y
se abrieron muchas puertas, así que contenta. en julio y agosto estuve filmando
una serie web, que todavía no está terminada, ni sabemos dónde la van a
difundir, pequeño el proyecto pero fue mi primer experiencia como jefa de
vestuario, para una serie de 10 episodios y más de 25 personajes, de eso no
tengo nada todavía para mandarte. pero te paso otros link: https://www.nationalmuseum.ch/f/microsites/Prangins/DejeunerSurLherbe.php
Esta fue una muestra para el museo nacional, donde en una jornada recrearon
escenas del siglo 19ve, y yo me encargue de conseguir y vestir al staff del
museo según el rol, el evento se llama ''dejeuner sur l'herbe'' realizado en el
château de Prangins, el año pasado también estuve, pero se recreó el siglo 18,
seguro podes encontrar fotos por internet. Súper lindo. Te dejo otro link podes
seguir la página por Facebook: https://www.facebook.com/GeneveOpera/ es del teatro de ópera
de Ginebra, donde empecé a trabajar como auxiliar y cubriendo reemplazos. Si seguís
el sitio podes encontrar las fotos, yo participe para la Ópera El barbero de Sevilla,
el ballet Callas, y ahora estamos
preparando Fantasio. Acá trabajo en el área
de vestidoras, no en el taller de costura. Nosotras nos ocupamos de que este
todo listo antes, y durante las funciones, de cambiar a la gente durante el espectáculo,
y de hacer todas las reparaciones y arreglos del vestuario desde que arrancan
los ensayos. Es muy interesante, poder ver en primera persona todo lo que
ocurre en obras grandes, con gente que viene de varios lugares, todavía no
puedo creer que tenga la suerte de poder ser parte. y por ultimo te paso otro
link, de la primer compañía con la que empecé a trabajar acá, que son amateur,
es chiquito, pero acá me puedo dar el gusto de ser la vestuarista, y poder
decidir y encarar la parte de desarrollo, que en proyectos grande aun no puedo https://www.facebook.com/pg/akctheatre/photos/?tab=album&album_id=1443071505807159
Bueno, conteste tarde, pero te pude mandar
mucha info así lo ves tranquilo cuando tengas ganas, espero ande todo bien por
la catedra, que puedan seguir transmitiendo tanto amor por esta profesión
hermosa, en cuanto tenga pensado ir, les aviso así los paso a visitar, saludos
al grupo, un beso a Estela particularmente que siempre me acurdo de ella y toda
la buena energía que me transmitió.
En el aula 309, el lunes 23 de octubre a las 15 Hs.
Daremos una clase especial en el CBC
Para la cátedra Arias Bugnard ICP2
Donde fuimos invitados a dar conocimiento específico sobre el diseño y realización de vestuario espectacular fantástico para personajes de Horacio Quiroga.
Dis. Milagros Gant Esc. Rupert Brocher, coordinados por Dis. Estela Sens.
Este año (2017 SEGUNDO CUATRIMESTRE)para los alumnos de la materia Diseño 1(TP bandas) y para los
que ingresen en la materia DyPI del segundo cuatrimestre, que estén interesados
en hacer el TP de Vestuario, les comentamos que surgió la oportunidad de
trabajar en colaboración con la murga de estilo uruguayo "Lagamur
DelRioba" para diseñar su vestuario. Esta opción se agrega a la lista de
sugerencias que hace la cátedra para la elección del tema a trabajar
Una oportunidad para desarrollar el diseño de un vestuario con
posibilidades de utilizarse en un espectáculo real durante el carnaval del
2018. https://www.facebook.com/juan.lagamur
Mad counterculture fashion in the Vietnam war, llegaron las
prometidas fotos desde NY
-----------------------------------
Llego a nuestra página
de Facebook
Anastasia Monaco Real
Finalizado
MAR 19:33
Hola buenas noches, mi nombre es Anastasia Monaco Real, curse con ustedes diseño 1 y mi primer trabajo fue con goma Eva.
Venia de cátedras bastante tradicionales, así que mi primer pensamiento fue: QUE ES ESTA PAYASADA, luego me termine enamorando del material, lo use reiteradas veces en diferentes entregas de diferentes materias. El recurso me llevo más tiempo, pero al terminar el año pude comprenderlo y aplicarlo tanto en la facultad como en la vida. Uno en el momento que esta aprendiendo no es consciente de los grandes conocimientos que esta adquiriendo y en infinidad de posibilidad que uno puede aplicarlos
Quería compartir con ustedes esto y agradecerles. Ya hace 2 años que curse la materia y el set de mi campaña de este año, lo realicé ni mas ni menos que con mi recurso y goma Eva
Concienticen que un diseñador bien formado no piensa solo
para su gusto y estética personal. Lo hace para el público y target al cual se
dirige en su trabajo. Para esto hay que conocer muy bien al usuario sus
emociones y aspiraciones sociales, para lograr seducirlo con el producto
adecuado para su identificación y placer. No todo lo que diseñamos lo usaríamos
nosotros. Ampliar nuestros conocimientos de otros targets distintos al nuestro amplía
el abanico de posibles clientes potenciales.
Dis. Gabriel Lores ( ex-alumno y docente de nuestra cátedra durante varios años)
nos visito y nos dio su parecer de los trabajos de DI2.
________________________ "La ropa está cara"
Lo reconoció Claudio Drescher,
presidente de la Cámara Argentina de la Indumentaria. Fue durante un foro donde
participaron referentes de la industria.
Desde la Cámara de
la Indumentaria reconocen que la ropa está cara.
"Los
precios de la ropa son caros. Es así. Hay que desarmar ese problema",
afirmó el presidente de la Cámara Industrial Argentina de la Indumentaria
(CIAI), Claudio Drescher. Lo hizo durante el primer Foro estratégico de la
CIAI, en el Auditorio de la Universidad de Palermo, junto a
los principales referentes de la industria.
Drescher
explicó también que es falso pensar que las grandes marcas
internacionales que venden barato son gente buena. Dijo que el"fashion
es como el fast food, entretiene pero mata". E hizo hincapié en que
los precios competitivos de estos grandes retailers se basan en
producir en países donde no se cumplen las reglas básicas del trabajo
digno. Él, que además es el presidente de la firma Jazmín Chebar, explicó que
la ropa está cara porque el 55 % del precio de la prenda se compone
de 21 % de IVA, 5 % de ingresos brutos, 1,2 de impuesto al cheque, 3
% de aranceles y 13% de promociones con tarjeta, que se lo queda el banco.
"Con el 45% restante recién empezamos a pagar insumos, personal,
etc.", enumeró.
Estos
números fueron avalados por Diego Coatz, economista jefe del Centro de Estudios
de la UIA, que se encontraba en el foro. Agregó que:"Sólo el segmento
ABC1 (el más alto con ingresos familiares de $ 107.000 mensuales), puede
comprar su ropa en los shopping. El segmento C2, con ingresos de
$ 34.000 mensuales, compra ya en locales de avenida Santa Fe, Once, Avellaneda.
De ahí en más, los segmentos de menor poder adquisitivo citan La Salada y
similares, como los lugares donde consumen indumentaria".
Drescher
también remarcó que estaba en contra de una economía cerrada. "Bienvenidas
las marcas y empresas extranjeras siempre y cuando generen empleo
acá. No queremos que vengan a vender sus excedentes ".
Y adelantó que están trabajando con el INTI en una propuesta de "trazabilidad". Esto
es poder identificar cada una de las prendas que se venden en Argentina, saber
el origen, los procesos productivos, la comercialización. "Saber si la
ropa pasó por donde tiene que pasar y si pagó lo que tiene que
pagar, porque el contrabando es uno de los peores flagelos
del país".
También del
Foro participó el diseñador Martín Churba que reconoció que se estaba
acomodando a un nuevo escenario. "Mi contador me anticipó en octubre que
venía una gran recesión. Me dije ´o busco un socio o me voy al
Bailando´". Finalmente el diseñador dice que optó por
rearmarse. "Busqué asociarme con quienes veía que
tenían cualidades complementarias con las mías y construir desde ahí".
También en
complementarse y trabajar en conjunto hizo hincapié Laura Novik,
consultora de Blink Design Chile. La especialista argentina que vive en ese
país dijo que aquí los diseñadores aprendieron a hacer marcas diferenciadas y
eso los hace muy competitivos. Y agregó: "Externalizar la
producción es salvarse uno. Aquí nos tenemos que salvar todos".
Finalmente Drescher destacó la importancia de impulsar el mercado
de la indumentaria. "Una tonelada de ropa diseñada que se exporta
son 40.000 dólares frente a una tonelada de soja que son sólo 380
dólares", comparó.
Por Gabriel Farias Iribarren (*)
Director de Sourcing Corporativo de Ripley en la oficina de compra de Hong
Kong.
Las empresas en parte están definidas
y determinadas en base a su organigrama. A través del mismo podemos ver su
flujo de gestión, su organización, su cultura corporativa, su canal para
promover nuevos desafíos y su sistema de toma de decisiones.
Entonces la pregunta es ¿Cuál es la
diagramación más habitual de una empresa de moda en la actualidad?
Si nos referimos concretamente al
sector de la moda, podríamos definir un organigrama o una estructura tipo o tal
vez más habitual en la actualidad.
Si bien estas empresas cuentan con
departamentos similares a los de compañías de otros sectores, como el de
recursos humanos, el de contabilidad o financiero, también están definidas por
una organización particular de cargos y responsabilidades que deben responden a
las características propias del sector.
Respecto del retail de moda, el
organigrama habitual estaría liderado por los directores de los departamentos
de diseño, compras, comercial y marketing. Estos a su vez dependen o reportan
al director general de la empresa.
Por supuesto, dependiendo
generalmente del tamaño de la empresa, existen alianzas o unión entre ellos.
Por ejemplo comercial y marketing pueden estar fusionados.
Diseño y Compras
El director de diseño es el máximo
responsable del departamento creativo. Sus funciones, entre otras, son
coordinar el diseño de todas las líneas de producto, trabajar en forma
mancomunada con el director de producto y el director de compras. Bajo su
influencia y responsabilidad está el equipo de diseño y de patrones.
Dependiendo del tamaño de la empresa
puede reportar al director general o depender del director de producto.
Los diseñadores que forman el equipo
creativo son normalmente profesionales con formación en escuelas de diseños,
dominio del inglés y conocimientos en patronaje. Estos profesionales además de
desarrollar los diferentes modelos, realizan viajes de inspiración, buscan
materiales en los mercados, pueden interactuar con los proveedores y colaboran
con sus compañeros de producción y patrones.
Uno de los departamentos que está más
relacionado con diseño y colabora constantemente es el departamento de compras.
Al frente del mismo está el director de compras, que dirige al grupo de
compradores.
Entre sus responsabilidades están las
de definir las categorías de producto, las cantidades a comprar de cada modelo,
las calidades y los precios para cada estilo y la fecha exacta que estos deben
arribar a las tiendas. Además tiene la función de gestionar, mejorar y
actualizar la red de proveedores.
El director de compras lidera al
aprovisionador o gestor de producto, al comprador textil y al técnico o equipo
de calidad.
Estos cargos lo asumen uno o dos
profesionales en el caso de empresas pequeñas o pueden replicarse para cada una
de las líneas de producto en caso de compañías de mayor magnitud.
El comprador textil se encarga de la
compra del producto terminado o prenda acabada o de los insumos para su
producción, tejido, fornituras, etc. Se coordina con un agente o
proveedor en origen y el técnico de control de calidad.
Obviamente, es un profesional que
debe poseer un alto nivel de inglés para negociar y gestionar la compra y
producción con los proveedores internacionales y tener disponibilidad absoluta
para viajar.
El técnico de calidad trabaja en
coordinación con los diseñadores y el departamento de compra.
También puede darse la situación que
esta función sea asumida por un agente o profesional en origen. El técnico de
calidad se encarga del control de la calidad de los materiales utilizados,
analizando los test físicos y químicos, el control de los procesos de
producción y las inspecciones al producto acabado.
En contacto y coordinado con todos
ellos trabaja el aprovisionador, responsable de gestionar el aprovisionamiento
de producto a las tiendas. Actúa de nexo entre el departamento de compras con
las tiendas y se encarga de analizar y seguir las estadísticas de ventas para
administrar el flujo de stocks para cada tienda. También llamado gestor de
producto, debe tener capacidad analítica, dominio de tablas de datos y buen
nivel de inglés.
Ventas y Marketing
Todos sabemos que el departamento
comercial es uno de los pilares estratégicos de las empresas en general y tal
vez tenga mayor trascendencia en las de moda en particular.
El director comercial planifica y
coordina la distribución en los diferentes canales: retail, multimarca,
ecommerce y ahora mismo gestionando el modelo omnicanal. Por supuesto, cada una
de estas áreas está bajo la responsabilidad de otro profesional que le reporta.
En el ámbito del retail, el director
comercial lidera y se encarga de coordinar a los responsables de merchandising,
a los directores regionales de tiendas y al director de expansión
internacional.
Para cada una de las regiones donde
la empresa desarrolla su actividad comercial se nombra un director regional,
quien gestionará el desarrollo en esa área. De él dependen los diferentes
responsables de tiendas.
El director de expansión
internacional se encarga de analizar nuevas zonas o ciudades para el desarrollo
comercial y de captar las inversiones necesarias para abrir esos nuevos puntos
de venta. También, da apoyo a los franquiciado si existen. Si la empresa es
importante en tamaño, generalmente dependen de él el técnico de expansión,
responsable de localizar locales y realizar los trámites necesarios para
comprar o rentar, y el travel retail manager, un profesional muy específico
cuya gestión se aplica a la apertura de puntos de ventas en aeropuertos y
otras locaciones con tráfico turístico.
El encargado de merchandising está
también muy vinculado con el departamento de marketing y, en algunas empresas,
incluso depende de él. Los profesionales que ocupan este puesto se encargan de
desarrollar la imagen de las tiendas y de replicarla en toda la red.
En el caso de los multimarcas, existe
la figura del key account manager que se encarga de la gestión de grandes
clientes, grandes almacenes o tiendas estratégicas. Bajo su dominio se sitúan
el director comercial de wholesale, encargado de la gestión directa de los
puntos de venta y el responsable de showroom, dedicado a la gestión del
aprovisionamiento de esas tiendas.
Por último, el responsable de
marketing se encarga de gestionar la estrategia de comunicación de la compañía,
tanto a nivel comercial como la comunicación con los medios y las relaciones
públicas.
AYELEN la ex-alumna que nos visitó y dio una mini-clase de vestuario espectacular a fin de 2015, NOS APORTA:
Hola Estela y Rupert
Espero anden muy bien.
Les queria compartir imagenes de un taller que hice en cuero aplicado al vestuario. Seguramente conocen varias técnicas, para mi fue toda una novedad y aprendí algunos truquitos muy prácticos que creo vale la pena difundir.
Aunque sea partidaria de los cueros sintéticos, son algunas herramientas, que espero poder trasladar a otras materialidades...
en mi caso quise hacer un corset/simulado materialidad metálica como para mas adelante largarme con una armadura, y utilice:
-sobrerelieve, en centro de espalda y delantero (esto se logra con 3 capas, una primera un cuero básico plano, una segunda, el dibujo con relieve que se quiere generar q puede ser en cueroflex, y la capa superior con cuero de oveja que es el elástico para poder moldear la tridimensión.
-Textura/dibujos simulando una trama. se puede generar con puntillas, o con diversas materialidades, muy simple: humedeciendo el cuero con agua, se coloca la puntilla y suavemente con un martillo se puede trasladar el dibujo al cuero mismo.
-pintura: Aca no habia mayor secreto que agregar plateados y cobres para darle efecto metalizado. Y ademas utilice goma arabiga, que separa los colores de manera que logre manchas mas reales.
Les mando un saludo grande, espero venga bien la info.
ahh aca el link del lugar donde realice el taller, esta todo en francés, pero las imagenes estan buenas. hay muchos ejemplos de armaduras y demas, que es cuero en todos los casos, http://www.vertugadins.com/
En la fiesta anual de fin de curso del teatro "Lo de Guidi" Tuvimos la grata sorpresa de recibir el premio al "Mejor Vestuario del año" para la obra "Infernum" diseñado por nuestra adjunta Dis. Rosario Llarin. ¡Felicitaciones!
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Las zapatillas del futuro cargarán tu 'smartphone' con la energía generada al andar
La 'start-up' Pavegen instala baldosas que aprovechan la energía de los pasos, y quiere colocar esa tecnología dentro de tus zapatos
Los niños llevan aprovechando la energía de sus pasos desde 1992, cuando la marca de calzados L.A. Gear lanzó unas zapatillas que se iluminan. Mientras, los adultos desperdiciamos esta energía generada por el simple hecho de andarcon nuestros zapatos convencionales. Considerando que la persona media da unos 216 millones de pasos a lo largo de su vida, hablamos de un desperdicio importante.
El inventor Laurence Kemball-Cook quiere cambiar esto a través de dos elementos: el calzado y el suelo. En 2009, Kemball-Cook fundó Pavegen, una empresa cuyas baldosas pueden capturar la energía de los pasos. La tecnología utiliza la compresión para retener una pequeña parte de la energía creada cuando un humano pisa la baldosa. Se han instalado estas baldosas en más de 100 proyectos por todo el mundo, incluido un estadio de fútbol en Rio de Janeiro (Brasil) y un terminal del aeropuerto de Heathrow en Londres (Reino Unido). La energía es almacenada en baterías dentro de las baldosas, donde puede ser empleada para alimentar la iluminación, la publicidad digital y las soluciones de navegación, que guían a los usuarios por un espacio mediante unas flechas direccionales.
Ahora, Kemball-Cook y su equipo de I+D han centrado su atención en el calzado, con la esperanza de emplear los mismos principios que aplicaron a las baldosas para aprovechar la energía personal. "La idea es que la fuente de energía sería de fácil acceso para el portador del calzado", explica Kemball-Cook, que ha estado hablando con importantes fabricantes de calzado como Nike y Reebok sobre las maneras de las que se podría incorporar esta tecnología a los productos de consumo. "Podrías ir al trabajo andando y cargar el móvil de camino en lugar de esperar hasta llegar a casa. Los corredores podrían cargar sus reproductores de música sobre la marcha".
La tecnología de Pavegen genera electricidad cuando una pelota de fútbol comprime una de las baldosas (hasta siete voltios a 12 voltios CC, lo suficiente para alimentar una farola LED durante unos 30 segundos). Para evitar la sensación de andar sobre un terreno poco firme, la baldosa sólo cede unos cinco milímetros. El llamado efecto piezoeléctrico incluye bobinas de cobre e imanes, cuya disposición es actualmente secreta. Un zapato utilizaría un sistema similar, uno que contrasta fuertemente con las zapatillas que se iluminan y que, en el caso de L.A. Gear, utilizaron mercurio, un producto químico y tóxico para crear una conexión eléctrica cada vez que el usuario daba un paso. Kemball-Cook dice que un sistema incorporado al calzado podría monitorizar los pasos del portador de forma inalámbrica, rastreando los patrones del andar sin requerir el uso de un reloj inteligente o un dispositivo similar.
"Parece natural que empecemos a explorar cómo adaptar las nuevas tecnologías para capturar esa fuerza que invertimos en andar en nuestras vidas cotidianas", dice Kevin Martel, el fundador de Harrys of London (Reino Unido), un fabricante de calzado boutique que se interesa por la combinación de tecnologías innovadoras con el diseño de gama alta. "Mira cómo se desgastan la mayoría de las suelas del calzado por la fuerza ejercida sobre ellas cada día, es algo increíble que puede ser aprovechado de muchas maneras".
De hecho, el principio ya ha sido explorado por las Fuerzas Armadas de EEUU, que han probado el uso de rodilleras deportivas para obtener y almacenar energía. Esta tecnología resulta demasiado abultada y engorrosa para ser utilizada por los consumidores, pero hay otros inventores que trabajan en soluciones para capturar la energía personal por unos medios más elegantes. Tejas Shastry presentó hace poco AMPY, un dispositivo que inventó junto con otros dos alumnos de doctorado, Alex Smith y Mike Geier, de la Universidad de Northwestern (EEUU). AMPY se lleva en el bolsillo, capturando y almacenando la energía cinética generada por los movimientos de los iones ambientales. Una hora de uso de smartphone equivale a unos 5.000 pasos.
La tecnología de Pavegen podría resultar mucho más eficiente, pero existen unos problemas importantes y específicos a resolver en comparación con las robustas baldosas. "La tecnología necesita ser mucho más pequeña y ligera, además de poder soportar presiones de pisadas a un ritmo mayor de lo habitual", explica Kemball-Cook. "Con nuestras baldosas, la tecnología está bien amarrada dentro de un contenedor, la propia baldosa, pero con el calzado todo tiene una proximidad mucho mayor".
Efectivamente, no hay necesidad de minimizar el tamaño de una baldosa de aprovechamiento energético, su reto consiste meramente en averiguar cómo maximizar la producción energética. La problemática cambia con los zapatos, donde la eficiencia debe equilibrarse con el tamaño y el coste. Y exactamente cómo transferir la energía desde el calzado hasta el móvil es una pregunta aún sin contestar.
También está la cuestión del confort. "La gente quiere dos cosas básicas de su calzado: comodidad y función", afirma Martel. "La clave será adaptar la tecnología para un compuesto de suela que funcione, pero que también proporcione un confort excepcional. Existen unos grandes avances en la tecnología de suelas de goma que podrían aprovecharse. Pero, al fin y al cabo, tiene que resultar atractivo. La tecnología ha de ser bella".
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Orgullosísimos les
comentamos que Dis. Silvia Gómez ex-alumna hace el vestuario
_______________________
Entrevista a nuestro titular, Radio Pachamama San Salvador de Jujuy
Mtro. Rupert Brocher: diseña profesionalmente desde
1974, diplomado Profesor Superior en 1988. Asesoro a muchísimos emprendedores
para Feria de los Inventos y la Universidad de San Andrés. Fue contratado, premiado
y becado en varias oportunidades por instituciones nacionales y extranjeras. Fabrico
y exporto sus diseños a Europa y
EE. UU. durante 10 años.
________________________________
Facultad de Arquitectura Diseño y Urbanismo, cátedra
Brocher, Indumentaria.
En el día
de ayer jueves 22 de Oct. hice un reclamo verbal por falta de luz en unos
cuantos tubos en 2 de las 3 aulas asignadas. Inmediatamente se hizo un llamado telefónico
y en menos de media hora el problema fue solucionado. Muchísimas Gracias.
Diez grandes marcas italianas de la moda se comprometieron a limitar las sustancias químicas presentes en la ropa y accesorios, anunció el presidente de la Cámara de la moda italiana, Carlo Capasa, presente en el salón Première Vision en París.
Diez grandes marcas – Gucci, Prada, Armani, Zegna, Valentino, Ferragamo, OTB, Staff International, Loro Piana y Versace – reunidas por la Cámara de la moda italiana en un grupo de trabajo sobre el desarrollo sostenible, acordaron respetar un nivel máximo de sustancias químicas en sus productos, más restrictivo que la reglamentación en vigor.
Este compromiso, que concierne a 500 sustancias, será publicado en octubre, indicó Capasa, durante esta cita mundial de los profesionales de la industria de la moda, reunidos en la capital francesa hasta el jueves.
Según él, “no hay futuro en la industria de la moda sin un desarrollo sostenible”. El documento fija también un límite, más ambicioso, para el futuro y preconiza el uso de sustancias alternativas, menos nocivas. El presidente de la Cámara de la moda italiana citó un estudio de enero sobre la industria del lujo de la firma Boston Consulting, según el cual “el principal criterio de 13% de los compradores es el desarrollo sostenible”. “Puede sonar poco – admitió- pero es mucho si se toma en cuenta que hace dos años esta cifra era de 2%”.
Este grupo de trabajo también pretende abordar en los próximos dos a tres años la trazabilidad y el origen de los hilos, telas, cueros, y las condiciones de trabajo del personal. La Cámara de la moda espera que más adelante todos sus miembros cumplan estas recomendaciones.
Mariela Ratto:Que las palabras de un docente te haga emocionar...en el momento justo de tu carrera donde todo parece tan difícil y cuesta arriba y eso te ayude a seguir ....no tiene precio.
Indumento Pantalla: Una propuesta para aumentar la seguridad nocturna: en este caso se trata del Cyclee, un dispositivo que proyecta en la espalda señales de nuestra presencia e intenciones.
Interesantes eventos, muestras, workshops, tesis y
conferencias.
Muy buenas las dos últimas mesas del acto de la clausura.
Nueva:
toga/manta para viajar, no se cae, cubre mejor y más fácil, se puede colocar sentado,
permite dejar antebrazos y manos fuera o dentro.
Extraordinario, Lutero del siglo XXI.
Bill Gates fue invitado por una escuela para una conferencia. Leyó once artículos y se retiró en el helicóptero que llego.
1. La vida no es fácil acostúmbrese a ello.
2. El mundo no está preocupado en tu autoestima. El mundo espera que hagas algo útil por él.
3. Tú no ganarás 3.000 dólares por mes al salir de la universidad. No serás vicepresidente. Debes ganártelo con tu propio esfuerzo.
4. Si crees que tu profesor es duro, espera hasta tener un jefe. Él no tendrá pena de ti.
5. Si crees que trabajar durante las vacaciones no está de acuerdo a tus expectativas. Créeme, tus abuelos tienen una palabra distinta para esto y lo llaman “oportunidad”.
6. Si fracasas, no es culpa de tus padres. No te arrepientas de tus errores aprende de ellos.
7. Tus padres pagan tus cuentas, lavan tu ropa y tienen que escucharte decir que son "ridículos" o “anticuados”. Entonces, antes de salvar al planeta para la próxima generación primero intenta ordenar tu propio cuarto.
8. En tu lugar de estudio pueden haber eliminado perder el año dándote muchas oportunidades para que apruebes, pero la vida no es así. Esto no se parece a absolutamente nada en la vida real. Si cometes un error en la empresa, estarás despedido. No tendrás más oportunidades.
9. La vida no se divide en semestres. No tendrás siempre vacaciones más de un mes y es poco probable que otros empleados o compañeros de trabajo te ayuden a cumplir tus tareas al final de cada periodo.
10. La televisión no es la vida real. En la vida real, las personas tienen que dejar la comodidad e ir a trabajar.
11. No copies ni critiques a tus compañeros que se esfuerzan. Hay una gran probabilidad de que tú trabajaras para uno de ellos.
Hola Profesores, quería agradecerles el haberme tenido en cuenta para participar del concurso de Falabella, por sus devoluciones para seguir aprendiendo de ustedes.
En estos momentos se me hace un poco difícil seguir concursando, desde lo económico, y además en fecha de Julio me presento a dar mi último final.
Cuentan con mi entrega final de Vestuario del año pasado (Alicia en el País de las Maravillas) por si la necesitan para exponer, o lo que sea.
Les dejo un abrazo. Gracias por todo.
Jesi
PLAGIO:
¿Qué es el plagio?
¿Qué consecuencias tiene para el alumno?
Como estudiante has de tener muy claro que es el plagio, sus características, que se puede plagiar y como se puede evitar.
La RAE define el plagio como, “Copiar en lo sustancial obras ajenas, dándolas como propias.” Básicamente, consiste en no dar crédito a la fuente original y divulgar, publicar y reproducir el trabajo o idea como si fuera propia, atentando así a los derechos morales y patrimoniales del autor.
El plagio tiene las siguientes características:
La copia total o parcial no autorizada de una obra ajena.
La suplantación de la autoría de la obra en cuestión, presentándola como si fuera propia.
Es importante que tengas en cuenta que:
Comprar un trabajo y presentarlo como propio seguirá siendo considerado como plagio.
El autor tiene tanto el derecho de explotación como el derecho hacer reclamaciones por los daños ocasionados.
Algunos ejemplos de objetos de plagio son:
Libros, comics, informes, artículos.
Composiciones musicales, obras teatrales y cinematográficas.
Esculturas, pinturas y dibujos.
Obras arquitectónicas y/o de ingeniería.
Programas de ordenador (software) y bases de datos.
Logos y lemas.
No se considera plagio cuando:
Expreses o presentes ideas y/o trabajos que son originales.
Divulgues y/o reproduzcas contenido público.
Presentes resultados de una investigación original.
Claves a tener en cuenta a la hora de evitar el plagio:
Siempre cita las fuentes de las frases o párrafos que reproduzcas literalmente.
Si usas ideas de otra persona con tus pablaras deberías mencionarlo en la referencia bibliográfica. Algunos consejos para parafrasear son: la utilización de palabras genéricas y sinónimos, el cambio de la estructura de la frase, el cambio de voz (activa a pasiva y viceversa).
Elabora una bibliografía con todas las referencias consultadas e incorporadas en el trabajo. Por ejemplo, si has mencionado un párrafo de un artículo de una revista, la bibliografía deberá contener el nombre del autor, libro o revista, número de edición, editorial, volumen, fecha de publicación y páginas consultadas.
¿Qué consecuencias supone para el alumno universitario?
Ya sea cuando presentes tu carta de motivación a la institución académica de la que quieras formar parte o cuando prepares un trabajo o documento de investigación, ya sea solo por la copia de párrafos o por el uso de unas pocas palabras o frases de otro documento sin la debida citación te enfrentarás a los riesgos que conlleva plagiar.
A continuación enumeramos unas cuantas:
Tu reputación académica se verá afectada: Se podrían dar varias situaciones según el grado de gravedad del plagio:
Lo mínimo que podría suceder es que tu trabajo se calificara con una nota más baja;
O se te podría pedir que repitieses el trabajo;
Podrían hacerte repetir curso;
Pero, por lo general, serás suspendido o expulsado de la universidad lo cual afectará negativamente tu expediente académico y dificultará tu acceso a otras instituciones educativas.
Tu reputación profesional también puede verse afectada: podrás ser despedido o degradado de tu trabajo. De hecho, puede llegar a complicar la búsqueda de un nuevo empleo.
Repercusiones jurídicas: Las repercusiones legales de plagio pueden ser muy graves. Las leyes de copyright son muy estrictas. No se puede hacer uso del material de otra persona sin hacer mención o referencia. En algunas ocasiones el plagio se puede considerar ofensa criminal dando lugar a una pena de prisión. Si eres estudiante de periodismo, por ejemplo, eres más susceptible a este tipo de repercusiones.
Podrás verte obligado a pagar una compensación económica.
Pocas
cosas son tan efímeras como la moda. La vigencia de cada colección dura lo que
la temporada: otoño-invierno, primavera-verano. Para los copiadores, no
obstante, ese tiempo no es una limitación. Seis meses son suficientes para
imitar, producir y comercializar.
Algunos atribuyen esas repeticiones a
que la moda refleja las tendencias, por lo que no sería raro que distintas
pasarelas presentaran diseños similares. También se dice que la moda es
inspiración, y que lo que sucede no es copia sino “influencia” de unos en
otros. Los más pragmáticos, finalmente, reconocen que el recurso de la copia es
el que permite llevar el diseño de la alta costura al consumo masivo. Lo cierto
es que se copia.
¿Conviene entonces registrar la
propiedad intelectual de los diseños de moda? La protección nace con la
creación, con lo cual no haría falta registrar para que existiera
protección. Sin embargo, el hecho de realizar el depósito sirve como presunción
a la hora de probar la autoría.
La ley que ampara el Derecho de autor
en Argentina es la 11.723, sancionada en 1933. Si bien posteriormente fue
modificada y existen varios decretos reglamentarios que la complementan, esta
ley en sí misma ha sido bastante adecuada, ya que a pesar del paso del tiempo
ha podido adaptarse a los cambios
Lo fundamental es resaltar que el
derecho de autor protege las creaciones formales, es decir, no las
ideas, procedimientos, métodos y conceptos en sí. Conceptos como, por
ejemplo, la minifalda -falda corta, por sobre la mitad del muslo- o la bikini -traje
de baño de dos piezas-, no hubieran podido ser registrados, sino en alguna de
sus expresiones materiales, como “falda corta, acampanada, de seda con rayas
horizontales en color blanco y negro…” Es por ello que, para que la protección
sea válida, se deben describir con la mayor precisión posible los elementos que
componen la obra, incluyendo fotos y dibujos que acompañen esta descripción.
El trámite de registro se hace ante
la Dirección Nacional del Derecho de Autor, quien a su vez ha descentralizado la
recepción de la obra a depositar en algunos “entes cooperadores”, como lo son
las Cámaras y Asociaciones propias de cada rubro. Los requisitos y costos de
los formularios para el registro varían si la obra es inédita o
ya fue dada a conocer, es decir, si es obra publicada, en cuyo caso
el importe es un poco más elevado. De cualquier modo, ambos trámites son
bastante económicos y sencillos.
Pero las copias en el mundo de la
moda no se limitan a los diseños. La reproducción de marcas y
logos en imitaciones fraudulentas son uno de los peores flagelos de la
industria. Una realidad económica y social que alienta la demanda de este tipo
de productos -en general, varias veces más baratos que los originales-, los
altos márgenes de ganancias para los infractores y la ausencia de planes
permanentes para combatir la piratería hacen de esta cuestión un verdadero
problema que excede estas líneas.
Las patentes y modelos de
utilidad también tienen su espacio en el mercado de la moda, en forma
de nuevas tecnologías e innovaciones textiles, como pueden haber sido en su
momento novedades tales como el spandex (lycra), el nylon o las telas ignífugas
o hidrófugas. Los bolsillos remachados de los jeans y el cierre a cremallera
son otros dos buenos ejemplos de ello.
Ni hablar de la más reciente ropa
“inteligente” o de los afamados “wearables”, innovaciones que incluyen
dispositivos tecnológicos no solo al servicio del ocio y el confort sino
también del rendimiento deportivo, la salud y la medicina preventiva.
Los diseños industriales,
por su parte, pueden proteger otro tipo de creaciones de moda, tales como
bolsos y joyas.
La relación entre moda y registro de
la propiedad parece inagotable, cuanto más nos adentramos en ella. Desde la
tecnología utilizada en la industria textil para cortar, coser, bordar, teñir,
hasta los diseños arquitectónicos utilizados en las franquicias de las grandes
cadenas de indumentaria, todo es pasible de ser protegido. Pues, cuando
hablamos de creatividad e innovación, copiar está de moda.
MoMA presents Björk, a retrospective dedicated to the multifaceted work of the singer, composer, and musician. Björk offers an experience of music in many layers, with instruments, a theatrical presentation, an immersive sound experience, a focused audio guide, and related visualizations—from photography and music videos to new media works.
The exhibition draws from more than 20 years of the artist’s daring and innovative career, beginning with her eight full-length albums and multiple collaborations with directors, photographers, designers, artists, and other experimental practitioners, and culminating in a new, immersive music and film experience commissioned by MoMA. The exhibition is conceived and organized by Klaus Biesenbach, Chief Curator at Large at MoMA and Director of MoMA PS1, and is made possible by a partnership with Volkswagen of America.
The product of a close collaboration between Mr. Biesenbach and Björk, the exhibition brings together a chronology of sounds, videos, objects, instruments, costumes, and images that express the artist’s overarching project: her music. Chronologically, the exhibition begins with the release of Björk’s first mature solo album, Debut, in 1993, and proceeds through her career up to her most recent work in 2015, including a new video and music installation commissioned especially for the Museum, Black Lake (which also appears on her new album, Vulnicura).
A 580 km de Mendoza y a 160 km de la ciudad de Malargüe, por la Ruta Provincial 186 se llega a la Payunia, la reserva natural de mayor extensión de Mendoza, única en su expresión por sus más de 800 volcanes.
Argentina posee la mayor reserva de guanacos del mundo y, en ella, Payunia alberga su máxima población. Casi mil dólares cuesta en algunas casas de diseño europeas un chal hecho con hilo de fibra de guanaco. Sin embargo, según datos publicados en 2011 por el Instituto Nacional de Tecnología Agropecuaria (INTA) el productor argentino recibía apenas 80 dólares por kilo de fibra, una cadena de valor donde la mayoría de las ganancias quedaban en el extranjero.
En la actualidad, el aislamiento de los productores rurales y sus dificultades para incorporarse al mercado en condiciones de equidad, junto al sobrepastoreo y degradación de hábitats que resultan en un alarmante avance de la desertificación en varias zonas áridas del país, ha generado gran competencia entre el ganado doméstico y las especies silvestres. Tanto es así que, en Patagonia al guanaco se lo considera prácticamente una plaga, mientras que, en Payunia, un proyecto fascinante avanza con firmeza para frenar que sea declarado “especie perjudicial” y se legalice nuevamente su matanza.
Payunia, polo sustentable de fibras no convencionales
Un consorcio integrado por el Ministerio de Ciencia y Tecnología de la Nación, el CONICET, el Municipio de Malargüe y la Cooperativa de puesteros Payún Matrú trabajan “en un programa que una el uso sustentable del guanaco con el desarrollo de la comunidad local, creando un modelo que permita salir de la clásica historia de la venta de materias primas que son transformadas en el exterior y luego vendidas a altos precios, para que el valor agregado se genere en Argentina, y más precisamente en el centro de la Payunia”, explica Gabriela Lichtenstein, investigadora adjunta del CONICET y una de las impulsoras de la propuesta.
La Cooperativa Payún Matrú se formó en el 2005, está compuesta por alrededor de treinta familias de productores de bajos recursos que llevan adelante esta primera experiencia de manejo de guanacos en Argentina.
“Era inminente retener a la población local con una fuente de empleo en su lugar de origen cuando el destino común es que migren a zonas urbanas porque no hay otra opción que criar chivos, de esta forma se han generado fuentes de empleo y se está fomentando el arraigo y la diversificación productiva para los pobladores locales, quienes, además, ahora pueden comprender que el guanaco vivo tiene mucho más valor que muerto”.
“Buscamos crear un modelo que permita salir de la clásica historia de la venta de materias primas que son transformadas en el exterior y luego vendidas a altos precios, para que el valor agregado s genere en Argentina, y más precisamente en el centro de la Payunia”.
Una planta de tratamiento: modelo en Sudamérica
Complementariamente, desde el Centro Textiles del INTI se está desarrollando un laboratorio de fibras no tradicionales ubicado en Salinillas, un paraje alejado de la ciudad de Malargüe, donde vive gran parte de las familias de la Cooperativa. La iniciativa contempla no sólo la instalación de una planta de procesamiento de fibra, junto con su tendido eléctrico y redes de telefonía – que también van a suministrar energía y comunicaciones a una población que hasta ahora no tenía -, sino que además incluye talleres de capacitación en técnicas de manejo de la especie y procesado de la fibra.
“Argentina es productora de una amplia gama de fibras textiles naturales, que explota en muchos casos en forma muy deficiente o poco igualitaria, como lana, algodón y fibras animales tales como llama, vicuña, guanaco, mohair, cashimere, seda y otras fibras vegetales. El impulso de avanzar sobre el desarrollo de la cadena de industrialización de manera sustentable, permite abrir oportunidades a estos sectores
y aprovechar recursos de identidad nacional”, comenta la ingeniera Patricia Marino, gerente de Comercialización del INTI.
Las fibras de guanaco, muy poco conocidas a nivel internacional al igual que la vicuña, están dirigidas a un mercado internacional consumidor de alto lujo, el país que ha monopolizado el desarrollo de productos de estas características es Italia.
Los países latinoamericanos que han recorrido un camino importante en el desarrollo de productos con estas fibras son Perú y Bolivia. “En ambos casos no consideramos sea el modelo para Argentina. No alentamos la concentración industrial y entendemos que el diseño es el eje central para producciones de baja escala”, asegura.
“Nos interesa potenciar el desarrollo de productos con diseño utilizando la gran fortaleza que posee nuestro país en la materia. En tal sentido, desde el Centro INTI-Textiles desarrollamos una intensa actividad en la promoción del diseño textil y de indumentaria, incluyendo el diseño de autor, siendo clave integrar la producción agropecuaria con el mejoramiento de la calidad de las fibras y el ennoblecimiento de los productos finales,” comenta Marino.
Obtener fibra sin descuidar al guanaco
A lo largo de los años se han desarrollado vinculaciones con instituciones tanto nacionales como internacionales con lo cual las capturas de guanacos en silvestría son eventos de generación e intercambio de conocimiento en forma horizontal.
Pablo Carmanchahi, investigador del CONICET COMAHUE, es autor del protocolo que reúne exitosas metodologías de captura, esquila y posterior liberación de los guanacos en base a altos estándares de bienestar que reducen el estrés del animal y que son transferidos al sector productivo, es decir a la cooperativa.
“Estamos llevando adelante una práctica innovadora ya que, en general, los pocos emprendimientos existentes y los pasados se basaron en una lógica productivista en la que se invertía poco y se quería ganar mucho y en poco tiempo, por lo tanto, bajo esta visión el bienestar de los guanacos durante el manejo era muy poco considerado”.
Existen argumentos biológicos, socio-económicos e histórico-culturales por los cuales es importante conservar esta especie. “El guanaco cumple un rol ecológico clave dentro de su ecosistema. Se adapta y previene el proceso de desertificación que se está dando en las zonas áridas por el sobrepastoreo del ganado ovino y caprino”.
Esta especie tiene un potencial alto como modelo productivo ya que es uno de los pocos animales que permite obtener un producto muy valioso sin necesidad de sacrificio. Respetar pautas de bienestar animal asegura la sustentabilidad de la actividad, permite obtener fibra de mejor calidad y da la posibilidad de lograr la certificación de los productos obtenidos de esta manera, lo cual abre una puerta a mercados internacionales y mejores precios de venta”, explica.
Los resultados del trabajo conjunto llevaron a que este año el Ministerio de Ciencia, Tecnología e Innovación Productiva, a través de la Agencia Nacional de Promoción Científica y Tecnológica, anuncie el otorgamiento de más de 5.5 millones de pesos al desarrollo de un modelo productivo para mejorar la calidad de vida de los pequeños productores rurales, basado en el uso sustentable de guanacos y la apropiación de innovaciones tecnológicas. La planta ubicada en Salinillas, a inaugurarse en Marzo de 2015, funcionará como centro de procesamiento semi-industrial no solo para las fibras naturales provenientes de Payunia, sino también de otras regiones como el NOA y Patagonia”.
Miembros de la Cooperativa volviendo luego del arreo de guanacos silvestres.
“A medida que hemos transitado el proyecto y sus grandes desafíos, hemos logrado la articulación con varios organismos del Estado, de esta forma estamos creando también un modelo de cooperación entre diversas instituciones con distintas lógicas de trabajo y saberes, haciendo un muy interesante proceso interdisciplinario en el cual todos estamos aprendiendo”, concluye Gabriela Lichtenstein.
Este polo productivo en funcionamiento resultará un modelo replicable por otras comunidades o cooperativas de la región. Sus beneficiarios serán los integrantes de la Cooperativa Payún Matrú y sus familias; los pobladores de la Reserva La Payunia; la Provincia; el Municipio; las cooperativas y asociaciones interesadas en la producción de fibra de guanaco; los productores de guanaco de Patagonia; las comunidades productoras de camélidos de la región; las Instituciones Científico Técnicas participantes; y el guanaco y su hábitat.
“El guanaco cumple un rol ecológico clave dentro de su ecosistema. Se adapta y previene el proceso de desertificación que se está dando en las zonas áridas por el sobrepastoreo dl ganado ovino y caprino”.
Entre los años 3.300 y 3.000 antes de nuestra era, estos pantalones de
lana son el ejemplo más antiguo-conocido de esta tipología, de acuerdo con
Ulrike Beck y Mayke Wagner del Instituto Arqueológico Alemán.
A pesar de su antigüedad, los pantalones de nuestros ancestros comparten
un extraño parecido con los modernos pantalones de montar, con las piernas
rectas y una amplia entrepierna, reforzada; y bandas estampadas como adornos.
Junto con los elementos de equitación y armas encontradas en las tumbas,
el hallazgo apoya la idea de que los pastores nómadas de Asia Central
inventaron atuendos bifurcados en la parte inferior del cuerpo para reemplazar
taparrabos, togas y túnicas en los albores de la nueva era de la guerra
montada.
designboom news:
Aunque las funciones sean similares, cada red social tiene su propio caracter y estilo: facebook = casual, twitter = clásica, pinterest = creativo, linkedin = trabajo, instagram = vintage, flickr = atistico, tumblr = hip y google + = innovador. Combinando elementos de los logos( FORMA/COLOR/IDEA ) con el espíritu de las plataformas se lograron estos conjuntos para estos usuarios promedio.
BOTONES:
Durante muchos años los botones eran de pedazos de caracol, sobre
todo en las prendas blancas o crudas, luego se tiñeron a tono de las telas. Algunos
son blancos, blanco lechoso o casi traslúcidos, o con reflejos irisados.
También pueden ser de cuero, semillas, cascaras, hasta,
hueso, vidrio, baquelita, madera, metal o plástico.
NACAR, MADRE PERLA
Valvas de caracoles
Fotos de Alfredo Perucca, tomadas en el Museo de Ciencias Naturales
Bernardino
Rivadavia, CABA, Argentina.
BOSS
Hermes, ya lo viene haciendo, con su H
Dando una clase de comercialización visual en Galerías Pacífico, una empleada se acercó
y le dio un tarjetón a cada alumno; al escucharme hablar del local.
Asombrándome al leerla; tienen una filosofía parecidísima
a nuestra cátedra.
Jornadas pecha kucha, formato de presentación, cada cátedra tiene un tiempo fijo de ocho minutos con un Power Point.
Nosotros presentaremos 3 PP con trabajos de alumnos y docentes con un relato en vivo.
QUEDAN INVITADOS:
Lo positivo:
El éxito del formato (pecha kucha) para la complejidad del desafío.
El poco tiempo en que se implementó.
La respuesta masiva a la convocatoria.
Fue una experiencia muy enriquecedora que nos sirvió para conocernos, saber más acerca de otras materias que integran la carreara, como son dictadas y por quienes.
En varios casos hubo coincidencias estructurales, también miradas antagónicas que enriquecen la libertad de cátedras.
Muy grandes coincidencias en los contenidos y objetivos.
Pude observar grandes aciertos a emular.
Gran despliegue creativo y con mucha innovación y libertad, en algunas materias.
Como negativo:
Me asombro la ausencia de sistema pedagógico en la gran mayoría de las cátedras. Si bien los TP están muy bien estructurados, no hay didáctica ni pedagogía pautada que nos contaran.